Jota Barros

Tu blog de Fotografía Callejera

APRENDE FOTOGRAFÍA

Comprende el modo prioridad a la apertura en menos de 1 minuto (video)

APRENDE FOTOGRAFÍA

Los vídeos para aprender Fotografía en menos de 1 minuto son los que mejor han funcionado hasta la fecha. De hecho, incluso hay alumnos de los talleres que se han unido a varios de ellos como consecuencia de ese tipo de contenidos (un saludo Saúl ;-) ).

Allí puedes encontrar unos cuantos conceptos básicos resumidos al máximo para que te hagas con ellos fácilmente. Ya era hora de seguir ampliando la lista así que aquí tienes una nueva incorporación, una vez que me he puesto al día con el revelado de fotografías para subir a Instagram y otro con 10 consejos para principiantes (y no tan novatos).

Los próximos vídeos de esa sección estarán dedicados a aspectos muy concretos de nuestras cámaras, la idea es darte las herramientas necesarias para que las imágenes que crees sean realmente tuyas y no consecuencia de automatismos.

Empezamos descubriendo los secretos del modo de funcionamiento de tu cámara que va a permitirte cambiar el aspecto del fondo en tus fotografías…

Resumen del video:

Antes de seguir recuerda que la luz que entra en tu cámara solo depende de dos cosas: apertura de diafragma y tiempo de exposición, si la apertura es grande necesitas un tiempo de exposición pequeño y al revés.

En el modo prioridad a la apertura puedes cambiar el número F o apertura de diafragma y con él la profundidad de campo.

Fija tu cámara en modo A o Av y busca la rueda que te permite cambiar F.

  • Escoge números F bajos para obtener una profundidad de campo baja y altos para profundidad de campo alta.

Tu cámara va a decidir el tiempo de exposición adecuado para que la foto quede bien expuesta.

  • Con un número F grande la apertura de diafragma es pequeña así que necesita un tiempo de exposición mayor.
  • Con un número f pequeño la apertura de diafragma es grande y el tiempo necesario es menor.

El tiempo escogido por la cámara depende de la apertura y de otra cosa que decides tú: el ISO o sensibilidad del sensor. A medida que aumenta el ISO tu cámara necesita menos luz así que…

  • Si aumentas el ISO la cámara reduce el tiempo de exposición.
  • Si reduces el ISO el tiempo de exposición aumenta.

En definitiva: cuando quieres hacer una fotografía en la que la profundidad de campo es importante (retrato, paisaje, fotografía de calle…) solo tienes que poner tu cámara en modo prioridad a la apertura y elegir el valor F que más te interesa (F pequeño para una profundidad de campo pequeña o F grande para una PDC grande). La cámara se encarga del resto, y si no te gusta lo que decide solo tienes que cambiar el ISO.

¿Qué te ha parecido el video? Cuéntame a través de comentarios y sugiéreme temas para próximas entregas… Si te ha gustado no dejes de compartirlo en tus redes. Gracias!

Aprende composición fotográfica: marcos dentro del marco

APRENDE FOTOGRAFÍA

MI abuelo, Papá Pepe, asoma en la puerta.
Un marco clásico: una puerta entreabierta (el que asoma es Papá Pepe, mi abuelo).

Hay un recurso de composición muy empleado en Fotografía (también en Fotografía de calle) al que todavía no le había dedicado una entrada específica, aunque había aparecido de manera indirecta en más de una ocasión.

Se trata del uso de marcos dentro del marco, tema de una #misiónrubixephoto cuyos resultados puedes ver aquí.

Qué son los marcos dentro del marco y para qué sirven

Cuando haces una fotografía en realidad estás metiendo cosas y/ o personas dentro del encuadre.

Si “das un paso hacia atrás” y en lugar de atender al contenido de esa imagen te fijas en el continente vas a ver un marco formado por los bordes de la fotografía: dos líneas horizontales y paralelas y dos líneas verticales paralelas (olvidemos aquí las fotografías con borde circular o de otras formas).

Ese marco que podemos llamar natural o habitual nos dice dónde tenemos que mirar, llama la atención sobre el contenido y limita la extensión de éste. Por cierto, hace un tiempo te hablaba de la enorme importancia de lo que dejas dentro y fuera del encuadre, por si te apetece refrescar ese concepto. ¿Qué pasa si contiene otro marco más o menos obvio?

Mira justo aquí

Si dentro del encuadre creamos un nuevo marco conseguimos atraer la atención sobre una parte específica de nuestra imagen. Como si dijésemos “mira toda la foto, sí, pero fíjate sobre todo aquí”.

Fotografía de calle: un anciano sale de un taxi.
El hueco entre las puertas del taxi centra la atención en el rostro.

Ven, entra y mira

Pero no solo eso, porque un marco dentro del marco puede, además, generar sensación de profundidad si está por delante (e incluso por detrás) del sujeto hacia el que queremos dirigir la atención.

Piénsalo así: un marco es algo que de alguna manera rodea al  protagonista de la imagen, normalmente lo hace permitiendo que lo veamos (cuando se sitúa por delante del sujeto) o bien llamando la atención sobre aquel cuando está por detrás.

Fotografía de calle en el British Museum of London.
Un hombre espera enmarcado entre columnas.

En ambos casos la fotografía tiene como mínimo dos planos: el marco y lo enmarcado. Y cuando vemos una imagen con dos capas ya no es plana porque al explorarla tenemos la sensación de avanzar hacia su interior.

Cómo localizar y usar  marcos dentro del marco

Has visto cientos, miles de imágenes con un marco de los que podríamos llamar “clásicos”. Las ventanas, las puertas, las ventanillas de los coches e incluso los espejos retrovisores en los que se refleja algo o alguien son recursos típicos que nunca dejan de funcionar. Aunque hay que tener en cuenta que pueden llegar a ser previsibles y por ello no conviene abusar.

Piensa fuera de la caja

Afortunadamente hay otras formas de enmarcar al protagonista de nuestras fotos, de hecho, el marco no tiene por qué ser rectangular (como el encuadre) ni estar perfectamente cerrado para cumplir su función, recuerda que se trata de que llame la atención sobre lo que contiene, para eso no hace falta que sea perfecto ni completo.

Fotografía de calle, una tienda en Japón.
El borde superior y la gente de espaldas enmarcan al tendero.

Cómo encontrar marcos y hacerlos funcionar

Quizás lo más importante aquí sea recalcar que si vas a usa un marco para llamar la atención sobre algo o alguien, lo verdaderamente importante de tu foto debería ser siempre eso último (el protagonista que enmarcas) y no el recurso compositivo que estás usando (en este caso el marco).

De forma que para crear un marco antes debe haber algo que merezca la pena mirar (a través o por delante de aquel). Una vez que tienes el sujeto…

  • Busca elementos en primer plano (o en el fondo) que centren la atención sin erigirse en protagonistas de la imagen.
  • Juega en la medida de lo posible con la distancia que hay entre tú y el marco y/o entre este y el sujeto o modifica la distancia focal de tu objetivo para comprimir la perspectiva (incrementado la focal) o aumentar la sensación de distancia entre ellos (reduciendo la focal).
  • Cambia la apertura de diafragma para ampliar o estrechar la profundidad de campo atribuyendo así más peso visual a la zona que aparece enfocada (aquí te cuento cómo el diafragma cambia la profundidad de campo de tus imágenes, y aquí que en realidad también depende de algunas cosas más).
Fotografia de calle, una mujer mayor rodeada de color.
Un marco por detrás del personaje.

Sobre todo, recuerda que al igual que sucede con las líneas que seguimos con la vista (te lo explicaba en la entrada dedicada a la composición con líneas) si en tu imagen detectamos algo que nos recuerde a un marco esperamos ver algo (interesante) dentro de él.

Desde ahora ya cuentas con un recurso más para seguir mejorando tu Fotografía de calle, después de estas otras entradas sobre composición fotográfica:

  1. Hazte a la idea: tú y tu cámara no veis igual
  2. Cuándo y cómo llenar el encuadre (y cuándo no hacerlo)
  3. El espectador (sólo) lo ve todo
  4. Cómo funciona el contraste (en Fotografía)
  5. Mejora la composición de tus fotos: el punto
  6. Mejora la composición de tus fotos: la línea
  7. La (enorme) importancia del fondo en tus fotografías

Cuéntame, ¿usas a menudo los marcos dentro del marco? ¿Cómo y por qué? ¿Conoces ejemplos de este recurso que quieras compartir con nosotros? Ahí tienes los comentarios, me encantará leerte. Si te ha gustado la entrada, no dejes de compartirla entre tus contactos. Gracias!

Aprende composición fotográfica: la línea

APRENDE FOTOGRAFÍA

Seguimos con las entradas pensadas para mejorar la composición de tus fotografías, después de la dedicada al punto de hace unas semanas.

Allí te contaba que un punto es cualquier elemento que destaque del entorno que lo rodea y que su posición dentro de una imagen condiciona la lectura que hacemos de ella.

Aprende composición fotográfica: ejemplo de líneas diagonales.

Pues bien, hoy vamos a explorar el siguiente elemento visual en orden de complejidad, uno del que disponemos en prácticamente todos los espacios pero sobre todo en entornos artificiales como las calles de nuestras ciudades y pueblos.

Las líneas pueden jugar un papel determinante en cómo funcionan nuestras imágenes, y son uno de los elementos más sencillos de integrar cuando hacemos Fotografía de calle.

Pero claro, antes necesitamos saber qué podemos lograr con ellas.

Las líneas implican direccionalidad

Un punto se lee de un vistazo para inmediatamente después ser situado dentro del contexto que lo rodea. Dado que es un elemento que destaca del espacio que tiene alrededor, la comparación con éste lo dota de sentido y puede cambiar la interpretación de la imagen.

Por el contrario una línea se lee siguiendo una dirección; cuando nuestros ojos encuentran una línea en una fotografía (o en una pintura) tienden a pegarse a ella como si fuese un imán visual para recorrerla hasta que se acaba o aparece algo más interesante.

Eso significa que una línea puede convertirse en un gran recurso para lograr que el lector de nuestras fotos las recorra de un lado a otro o de arriba abajo. Pero no sólo eso, como vamos a ver.

Líneas explícitas e implícitas

En el fondo una línea no es otra cosa que una sucesión de puntos tan próximos entre sí que forman una unidad que visualmente funciona por sí misma.

Al recorrer una línea con la vista en realidad estamos pasando de un punto a otro, es ese movimiento de desplazamiento lo que hace aparecer la sensación de direccionalidad de la que te hablaba arriba.

En realidad lo anterior no es completamente cierto porque hay dos tipos de líneas: las que están compuestas de puntos y las que se componen de… nada. Déjame explicarme.

  • Las líneas explícitas son aquellas que podemos ver físicamente en una fotografía: una carretera, el borde de una fachada, una farola, un cable recortado contra el cielo…
  • Las líneas implícitas son las que están ahí e imprimen dirección a la foto aunque no las podamos ver. Lo vemos con un ejemplo.

Líneas implícitas, un ejemplo

Imagina un retrato de alguien mirando directamente a cámara con la cabeza perfectamente centrada en un encuadre horizontal y creando una imagen simétrica.

Ahora supón que mueves la cámara hacia la izquierda dejando más espacio en ese lado y que pides al retratado que mire en esa dirección. Clic.

Tienes un retrato de alguien que mira hacia la izquierda, lo que hace que aparezca una línea en la dirección de su mirada. Esa línea no se puede ver pero está ahí; es una línea implícita.

Ambos tipos de líneas condicionan cómo se leen nuestras imágenes, la única diferencia es que las implícitas consiguen el mismo efecto de una manera más sutil.

Aprende composición fotográfica: ejemplo de línea implícita.
Una línea implícita sigue la mirada de los dos hombres.

Líneas horizontales, verticales, diagonales y curvas

No voy a entretenerme demasiado en la clásica explicación de las líneas en función de su forma y su orientación. Pero qué menos que detenernos en lo básico…

Las líneas horizontales por lo general transmiten estabilidad, calma y reposo. Probablemente eso tiene que ver con que nuestro campo visual es también horizontal y con que llevamos a cabo nuestras vidas en planos perfectamente horizontales (cuando estamos en una superficie no horizontal casi siempre vamos de camino hacia una).

Aprende composición fotográfica: ejemplo de líneas horizontales.
Una imagen horizontal dominada por líneas horizontales.

Una imagen compuesta eminentemente por líneas horizontales es una imagen hasta cierto punto previsible, donde todo está más o menos como esperamos verlo.

Las líneas verticales, por contraste con las anteriores, implican movimiento de arriba a abajo (o al contrario). Como si fuese una caída (o un ascenso), justo lo opuesto a la estabilidad y a la calma. Por eso las verticales son eminentemente dinámicas, en oposición a las horizontales.

Aprende composición fotográfica: ejemplo de línea vertical.
El cuerpo de la mujer crea una línea vertical en el sentido de su movimiento.

Justo en medio están las diagonales, que generan más sensación de inestabilidad que cualquiera de las anteriores porque en cierta forma se interpretan como una situación transitoria, no permanente, que puede cambiar en cualquier momento.

Una línea diagonal que recorre el encuadre es una invitación a desplazar la vista a lo largo de toda la imagen y dota a la lectura de esta de dinamismo, fuerza o incluso tensión (también sirven para generar sensación de profundidad, como vimos aquí).

Aprende composición fotográfica: ejemplo de línea diagonal.
Una diagonal recorre toda la imagen e invita a seguirla.

Las líneas curvas nos recuerdan a la naturaleza y también pueden ser una invitación a recorrer el encuadre, y una pista para crear sensación de profundidad cuando van de delante a atrás o viceversa. Si tienen forma de “S” son especialmente efectivas al sugerir una ruta de exploración de nuestras imágenes.

Aprende composición fotográfica: ejemplo de línea curva.
La línea curva lleva nuestra vista de un lado a otro de la escena.

Líneas y encuadre

No pierdas nunca de vista que tus fotografías están contenidas entre líneas verticales y horizontales. Eso significa que quien las ve tiene una referencia inmediata para comparar con los bordes del encuadre cualquier línea que caiga dentro de él.

Dicho de otra forma, si introduces horizontales o verticales en tu composición, el lector tiene muy fácil comprobar si en efecto son como pretendías.

Si una línea que se espera perfectamente horizontal no lo es (y las líneas horizontales de la parte superior e inferior de la imagen hacen muy sencillo comprobarlo) se va a interpretar como un error. Con las verticales sucede exactamente lo mismo. Y un error supone una distracción, aunque el resto de la imagen funcione.

Ahí va mi consejo: asegúrate de que no parezca accidental. Puedes hacerlo de dos maneras: clavando exactamente las horizontales y/o las verticales (tomándote un poco más de tiempo en el momento de la toma o al revelar la imagen frente al ordenador) o inclínalas tanto que nadie se detenga a valorar si están perfectamente alineadas con el encuadre y se fije en todo lo demás.

Esperamos encontrarnos algo

No sé si te sucede lo mismo, pero en mi caso una de las experiencias más frustrantes cuando veo una Fotografía de calle es la de seguir una línea con la expectativa de encontrar algo interesante en algún punto (o al final) del recorrido y no toparme con nada.

Aprende composición fotográfica: líneas y centro de interés.
Las líneas de la fotografía nos llevan a una forma reconocible.

Si la geometría es lo más relevante de la composición o si se busca un efecto puramente estético puedo entenderlo, pero en ese caso la forma tiene que tener un peso muy importante o de lo contrario siempre tenderé a esperar que mi “viaje” a lo largo de la línea me lleve a algún sitio. Por eso no puedo evitar una cierta sensación de decepción cuando las líneas no llevan a ninguna parte (en gallego diríamos “a ningures”).

Si te pasa algo parecido, recuerda esconder algún tipo de sorpresa al final de las líneas que vemos en tus imágenes.

En definitiva

Al contrario que en el caso del punto, que es un elemento aislado que se lee y se sitúa de forma inmediata, las líneas imprimen un sentido de lectura a nuestras fotografías porque tendemos a seguirlas para explorar la escena.

Pero no solo eso, porque en función del tipo de línea que decidas meter en el encuadre y sabiendo las sensaciones que puedes generar con ellas, puedes cambiar por completo la experiencia de quien ve tus imágenes.

Aprende composición fotográfica: el punto

APRENDE FOTOGRAFÍA

Si has asimilado la técnica fotográfica hasta el punto de que ya no es una limitación a la hora de capturar imágenes, o si te gusta hacer fotos sin pararte a pensar en los aspectos más cuantitativos (tiempo de exposición, apertura de diafragma, sensibilidad, etc.) es hora de que comiences a atender a un aspecto crucial que puede cambiar por completo el aspecto de tus capturas. Hablo de la composición, claro.

Aquí comienza una nueva serie de entradas que van a tratar de explicarte los distintos elementos y decisiones que harán que tus fotografías cuenten más de lo que podría parecer a simple vista.

A veces disparar un segundo antes o después o dar un paso más hacia un lado puede cambiar por completo el resultado de tu disparo, y eso es especialmente cierto en la Fotografía de calle, donde no tenemos control sobre lo que sucede ante nosotros.

Para tomar la decisión correcta tienes que saber qué puedes lograr con tus fotos, así que allá vamos.

Qué es un punto

Si pensamos en un punto probablemente venga a nuestra mente un círculo perfecto, quizás negro sobre fondo blanco y en el centro de nuestro campo visual. Esa es la imagen más obvia, la más “académica”.

Pero en realidad un punto es cualquier elemento de dimensiones limitadas que destaca del entorno. No hace falta que sea perfectamente circular, ni que se diferencie del fondo exclusivamente por su color, al fin y al cabo el contraste abarca muchos otros aspectos.

Fotografía © Josef Koudelka

Está claro que el pájaro de la foto de Koudelka no tiene la forma que esperamos de un punto, pero se recorta perfectamente del resto de elementos gracias a su tono más oscuro y podemos distinguir su forma, de manera que capta nuestra mirada por completo.

Así que al final un punto no es otra cosa que un sujeto (una persona, un objeto) que se distingue del resto de elementos del encuadre y que reclama nuestra atención.

Construir una fotografía en torno a un punto puede hacer que el espectador se pregunte por su relación con el espacio que ocupa y llegue a conclusiones (o no, lo que también puede ser un buen recurso para aumentar el interés de la imagen).

¿Qué hace una persona en semejante postura en una calle vacía?

Fotografía © Matt Stuart

Un punto también supone la oportunidad de mostrar algo de una forma en la que habitualmente no lo vemos y de esa manera podemos aumentar el atractivo puramente visual de la fotografía. Porque a veces basta cambiar el punto de vista o elegir el fondo adecuado para que algo que no tiene aspecto de punto se convierta en uno.

Dónde colocas el punto es importante

Cuando observamos nuestro entorno y queremos fijar nuestra vista en un determinado elemento, ya sea una persona o un objeto, lo colocamos en el centro de nuestro campo visual.

De la misma manera, cuando contemplamos una fotografía en la que hay un punto esperamos encontrarlo en el centro del encuadre. Una imagen compuesta de esa manera es previsible, y transmite una sensación con la que nos sentimos cómodos: vale, esta foto va de este elemento que ocupa el espacio donde espero encontrármelo.

Si por el contrario desplazamos el punto de su posición “natural” quien ve esa fotografía se va a cuestionar por qué no se encuentra donde espera. El motivo para esa ubicación inesperada tendrá que ser más evidente cuanto mayor es la distancia a la que se ha colocado el punto. Esa es una manera de llamar la atención no sólo sobre el sujeto, si no también sobre el espacio que ocupa, la dirección en la que se mueve o en la que mira.

Fotografía © Constantine Manos

Fíjate en la foto de Manos. Antes de nada, hay que decir que si bien no hay nada con aspecto de punto en ella podemos identificar la silueta de una mujer y un niño, eso hace que destaque sobre las demás formas y la convierte en el centro obvio de atención. Si no se sitúa justo en el centro del encuadre es, en este caso, para dejar espacio a otros elementos que equilibran la composición: parte de un logotipo y las otras sombras siguiendo la diagonal hacia la parte inferior derecha de la imagen.

De manera que el lugar del encuadre donde colocas el punto determina las sensaciones que va a transmitir, desde la familiaridad y estabilidad de un objeto colocado en el centro del campo de visión, a la extrañeza de que no esté allí y la consecuente pregunta de por qué lo mostramos de esa manera.

Cuando hay más de un punto

Tal y como te decía arriba, un punto es un elemento aislado, se ve de un vistazo y después pasamos a atender al resto de la escena.

Cuando hay más de un punto es relevante la forma en la que se conectan (o mejor dicho, cómo los conectamos al explorar la imagen, al fin y al cabo cada punto es, por definición, independiente de los demás).

Y aquí entra otro recurso de composición del que hablaremos más adelante. Sin extenderme demasiado, sí puedo adelantarte que cuando una serie de puntos se disponen de manera que crean una forma que somos capaces de reconocer como un triángulo (seguramente la que mejor funciona), un rectángulo o un círculo, por poner sólo algunos ejemplos, encontramos esa imagen visualmente atractiva.

Fotografía © Sergio Larrain

Una forma a la que estamos acostumbrados, como el triángulo formado por los hombres de la foto de Larrain, organiza el encuadre, estructura la información y hace que nos encontremos cómodos explorando la imagen, sabiendo que ahí hay una referencia visual que podemos reconocer.

Tienes otro ejemplo en esta foto de Ian Berry, en la que los cuatro sujetos se recortan del entorno (no compiten por la atención con nada que no sean ellos mismo) y se disponen según una línea que nos invita a recorrer el encuadre, desde el primer plano (donde además hay un gesto interesante) hacia el fondo, estableciendo una comparación entre cada par humano-perro.

Fotografía © Ian Berry

En definitiva

Cuando colocas un elemento que se distingue del resto del encuadre de una forma evidente (ya sea por color, por forma, porque es la única cara que distinguimos entre una multitud o por cualquier otro motivo) estás manejando un punto.

Tienes que ser consciente de que nuestra atención va a recaer en ese sujeto y que aunque vaguemos por el resto de la imagen volveremos a él una y otra vez.

No pierdas de vista que si lo colocas fuera del centro del encuadre vamos a preguntarnos por qué no está precisamente allí, donde lo esperamos, y que de esa forma nos haremos preguntas sobre el resto del espacio.

La historia de la Fotografía está llena de magníficas imágenes en las que el punto es el elemento principal de composición. Te invito a echar un vistazo y a preguntarte cómo funcionan, si quieres empezar por el lugar de donde he sacado las que ilustran esta entrada nada más fácil, se trata de Magnum Photos.

Espero que te haya resultado útil. Si tienes preguntas o quieres aportar tu punto de vista, ahí tienes los comentarios, será un placer leerte.

No olvides compartir esta entrada en tus redes si te ha parecido interesante. Gracias!

Cómo funciona el contraste en Fotografía

APRENDE FOTOGRAFÍA

Fotografía © Philip Jones Griffits

Hay muchas formas de conseguir que una fotografía resulte interesante. Puede serlo, por ejemplo, porque el propio sujeto fotografiado lo sea, pero (afortunadamente) aunque éste no tenga nada de especial también podemos lograr que una imagen atrape la atención del espectador.

Probablemente una de las maneras más impactantes de crear fotografías llamativas sea recurriendo al contraste, un recurso de composición que obliga a quien las ve a hacerse preguntas.

Precisamente de esa necesidad de explicar(se) qué está sucediendo es de donde surge el atractivo de las imágenes que se apoyan en el contraste.

Veamos cómo funciona y cómo podemos incorporarlo a nuestra narrativa visual.

Cuando todo tiene sentido…

No hay nada de extraño en ver dentro del encuadre dos elementos similares o entre los que es fácil imaginar una relación.

Si vemos una fotografía en la que aparecen (únicamente) dos personas que comparten un determinado rasgo no aparece la sorpresa.

Si en lugar de individuos se trata de objetos exactamente lo mismo: de alguna manera damos por hecho que hay un motivo por el que se nos muestran en la misma imagen, que sean parecidos puede ser suficiente, por ejemplo.

Es decir: si nos enseñas dos cosas o personas similares no vamos a cuestionarnos por qué lo haces.

Si se trata de dos sujetos entre los que no hay diferencias o que estamos acostumbrados a ver simultáneamente no hay preguntas y enseguida pasamos a valorar otra serie de aspectos de la imagen.

Pero, ¿qué pasa si hay algo que no encaja? ¿Qué sucede si en la misma fotografía hay dos ingredientes que no esperamos ver a la vez, uno al lado del otro?

El contraste

En eso consiste precisamente el contraste: en mostrar en la misma imagen dos elementos que no esperamos ver juntos.

De esa disonancia surgen las preguntas; y así en esa fotografía en la que vemos dos cosas que contrastan surge el interés porque nos cuestionamos qué está sucediendo, por qué vemos elementos que no tienen nada que ver entre sí.

“¿Qué está pasando aquí? ¿Por qué esas dos cosas comparten espacio en la misma imagen?”

Estas diferencias pueden ser puramente visuales y muy evidentes (algo grande al lado de algo pequeño, algo brillante en medio de algo muy oscuro…) o no tanto (algo divertido al lado de algo serio, algo antiguo al lado de algo moderno…), pero en cualquier caso el atractivo surge de la necesidad de explicarnos por qué vemos cosas tan diferentes dentro del encuadre.

En ocasiones seremos capaces de explicarnos el truco con una pequeña historia que conteste a nuestras preguntas. Pero en otras, a no ser que se nos aporte más información por otros medios (como un pie de foto, por ejemplo), las preguntas quedarán sin respuesta y esa imagen nos seguirá atrapando, esta vez por un motivo diferente: precisamente porque no acabamos de entender qué está sucediendo (como en la imagen de Philip Jones Griffiths que ilustra esta entrada).

La foto de Philip Jones Griffiths

Está claro que de forma deliberada el autor quería provocar extrañamiento al mostrar simultáneamente una escena doméstica (la mujer cortando el césped) y un soldado en posición agachada y expectante (aunque, la verdad, su gesto de resignación resulta un tanto cómico).

Ahí tienes el contraste, el punto de partida para que nos preguntemos “¿qué está pasando aquí?”, “¿es una situación real?”.

Y tanto que lo es, la foto fue tomada en Irlanda del Norte en 1973, mientras la batalla entre el IRA y el ejército británico estaba en su apogeo. En una segunda lectura, esta imagen nos cuenta que en algunos lugares la violencia es algo tan habitual que la gente no se plantea dejar de hacer sus labores domésticas porque ese día haya soldados parapetados en el vecindario. Resulta sencillo imaginar que no era la primera vez.

Aprovecha el contraste

En definitiva: incluyendo en nuestras fotografías elementos muy diferentes que no sean fáciles de relacionar y dejando fuera aquello que explica por qué aparecen juntos podemos generar interés. Esa atracción, la del contraste, nace de la necesidad del espectador de entender, de explicarse qué está sucediendo para que le mostremos a la vez, una al lado de otra, dos cosas que no esperaba ver juntas.

Pero para eso, lo mejor es huir de clichés y buscar pares (o con más elementos, por qué no) con diferencias lo suficientemente acentuadas como para que quien vea nuestras imágenes no pueda evitar preguntarse qué sucede frente a sus ojos.

De modo que ya sabes, cuando encuentres una situación con la que puedas conseguir que nos preguntemos qué está pasando, aprovéchala. Y déjanos entre interrogantes…

¿Buscas el contraste? ¿Cómo? ¿Te resulta sencillo de descubrir? Cuéntame tus impresiones a través de los comentarios, y comparte esta entrada entre tus redes si te ha parecido interesante… Gracias!

Enfoque por zonas (zone focusing) en Fotografía

APRENDE FOTOGRAFÍA

Enfocar allí donde queremos es crítico, especialmente cuando estamos practicando un género como la Fotografía de calle, donde hay muchos elementos a distintas distancias, a menudo moviéndose y ocupando posiciones del encuadre que no tienen por qué ser las previsibles. En esas situaciones es importante contar con habilidades que nos permitan seguir consiguiendo nitidez por difíciles que se pongan las cosas.

En sus día te conté en qué consiste la profundidad de campo (PDC) y su relación con la apertura del diafragma, además poco después ampliaba aquella entrada con otra en la que descubríamos que aunque la PDC depende principalmente del número f, hay otros factores que influyen definitivamente en ella.

Enfocando normalmente

Las cámaras actuales son cada vez más rápidas y precisas enfocando automáticamente (lo que se llama autoenfoque o autofocus y que se suele traducir en un selector colocado en la posición AF). Sólo tenemos que pulsar el botón de disparo hasta la mitad (a veces puede ser otro si hemos configurado la cámara de esa forma), la cámara fija la distancia de enfoque y listo.

Como te decía arriba, el “espesor” de la escena que aparecerá aceptablemente nítido por delante y por detrás de ese plano de enfoque se conoce como profundidad de campo (PDC) y depende de la apertura de diafragma (número f), pero también de la longitud focal del objetivo (F) y de la distancia entre la cámara y el punto enfocado (d).

Gráfico explicativo de la profundidad de campo

Es importante entender cómo depende la profundidad de campo de esos factores:

  • Cuanto mayor es la apertura (menor número f) menor es la profundidad de campo (y viceversa)
  • Cuanto mayor es la longitud focal (F) menor es PDC (y viceversa)
  • Cuanto menor es la distancia de enfoque (d) menor es PDC (y viceversa)

De forma para conseguir algo o a alguien no basta con escoger un número f alto (como f/8 o f/11), a eso debemos sumar más cosas que aumenten la profundidad de campo, como una una longitud focal relativamente corta.

Todo esto está muy bien pero ¿qué pasa si tu cámara tiene problemas para enfocar automáticamente, por ejemplo en una calle con poca luz?, ¿o si no es tan rápida reaccionando como te gustaría?, ¿o si estás en un entorno caótico en el que es muy difícil predecir el mejor punto para enfocar? Probablemente tu cámara cuenta con un modo de enfoque continuo que podría ayudarte, pero vas a depender de sus decisiones y estas no siempre coinciden con las tuyas.

Distancia hiperfocal y la alternativa: el zone focusing o enfoque por zonas

Si lo que buscamos es conseguir una profundidad de campo muy amplia (que la zona roja del gráfico de arriba se extienda mucho) podemos optar por la distancia hiperfocal, algo de lo que te hablé en esta entrada y también en un video de un solo minuto.

Pero la distancia hiperfocal tiene un problema: para ser realmente útil en distancias cortas tienes que escoger una apertura relativamente pequeña (de f/8 en adelante, como mínimo). Eso cierra el paso a mucha luz lo que en situaciones con poca iluminación significa que tienes que aumentar mucho el tiempo de exposición, incrementar la sensibilidad o ambas cosas. Y eso no siempre es posible o aconsejable.

El enfoque por zonas (zone focusing) es una buena alternativa cuando queremos asegurar nitidez en una cierta porción de la escena por delante de nuestra cámara y ésta no lo consigue por sí misma o no queremos perder tiempo modificando el enfoque.

Básicamente consiste en escoger una combinación de apertura (f), longitud focal (F) y distancia de enfoque (d), de manera que la profundidad de campo se extienda entre dos puntos por delante de nuestra cámara que podemos conocer de antemano.

Cómo hacer enfoque por zonas

Lo primero que tienes que hacer es localizar una web o aplicación para calcular la profundidad de campo que sea sencilla e intuitiva, te recomiendo la calculadora de Photopills.

Allí sólo tienes que introducir el modelo de tu cámara (el tamaño del sensor también influye en todas estas cuentas), la longitud focal, la apertura de diafragma y la distancia al punto enfocado (distancia del sujeto).

La calculadora te devuelve la zona abarcada por la PDC, por ejemplo, para los valores de arriba:

Cálculo de la profundidad de campo.

Lo que quiere decir que si enfoco a 2 metros (distancia del sujeto) la profundidad de campo (la zona aceptablemente enfocada) se extiende desde 1,04 (PdC límite cercano) hasta 26,57 m (PdC límite lejano). Es decir, con esa focal, apertura y distancia de enfoque, todo lo que se encuentre entre 1 y 26 metros aproximadamente va a aparecer nítido en la fotografía. Bien, ¿no? ;-)

Este es un caso bastante favorable porque he escogido una apertura y una longitud focal escasas, puedes comprobar por ti mismo que diferentes combinaciones dan valores muy distintos. Por ejemplo para una cámara con un sensor similar a f/4 y enfocada a 5 metros, los límites cambian a 3,78 y 7,4 metros, una PDC mucho menor pero quizás la única alternativa si hay tan poca luz que te ves obligado a emplear una apertura tan grande.

Fijando la distancia de enfoque cuando no hay una escala de distancias

Si tu cámara no dispone de escala de distancias o esta no es excesivamente precisa, quizás te preguntes cómo fijar la distancia de enfoque.

Prueba esto: pasa tu cámara a enfoque manual (mueve el selector AF/MF a la posición MF) y apunta en dirección a un objeto que se encuentre a la distancia que quieras fijar, mueve el anillo de enfoque hasta que lo veas perfectamente nítido. Ya está. Deja el selector en MF para que la distancia de enfoque no cambie al disparar.

Como no vas a llevar una cinta métrica cada vez que quieras probar el zone focusing, toma una referencia de la que te puedas fiar – por ejemplo la medida de tus pasos – sepárate un determinado número de pasos de un objeto vertical (una pared, una farola) y enfócalo manualmente.

Por cierto, no necesitas abrir la calculadora cada vez que vayas a probar esta técnica (aunque también tienes que saber que la gente de Photopills vende una aplicación tremendamente útil para teléfonos iOS que puedes llevar siempre encima). Mi consejo es que memorices una serie de combinaciones y que las uses en función de la zona que quieras abarcar en cada momento y de la luz disponible.

Por cierto, si usas una cámara con objetivo clásico todo esto es mucho más fácil: escoge la apertura que quieras emplear en el anillo de aperturas, para cada distancia de enfoque las propias marcas del objetivo te indicarán los límites de la profundidad de campo.

Fijando enfoque por zonas en un objetivo manual.

Por ejemplo, el objetivo de arriba está cerrado a f/8 (círculo rojo), al enfocar a 10 metros (la línea roja está sobre la cifra 10 en la escala de distancias) los números que coinciden encima de los dos 8 del anillo intermedio son 5 e ∞ (líneas verdes), eso quiere decir que lo contenido entre 5 metros y hasta donde alcanza la vista aparecerá enfocado.

Como ves el enfoque por zonas puede ser muy útil para preenfocar y no depender de la capacidad de la cámara para hacerlo automáticamente, e incluso para fotografiar sin llevarnos la cámara al ojo, ya que una vez que hemos escogido una determinada combinación de apertura, longitud focal y distancia de enfoque (recuerda dejar éste en manual para que no cambie hasta que tú lo decidas) todo lo contenido entre los límites cercano y lejano se va a ver nítido en nuestras imágenes.

¿Qué te ha parecido esta técnica? ¿La has probado alguna vez en la calle? ¿Qué haces para asegurarte de enfocar como y donde quieres cuando las cosas se ponen complicadas? Comparte tu experiencia a través de los comentarios, me encantará leerte. Si te ha gustado la entrada, no dejes de compartirla en tus redes, gracias!

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